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艺术家检疫与他们的艺术收藏

“If I have to be discarded, let it be in the beautiful green space of this painting.”

Eva Zeisel。”伊娃’s Centerpiece” (1999), satin matte glazed porcelain, 11 parts; 7.5 inches, 9.5 inches, and 12 inches high; in situ (image courtesy of Susan York)

作者注:As the global death toll from Covid-19 surpasses 1,000,000 with no sign of slowing, the ubiquity of trauma continues to alter the most familiar features of daily life: eating, getting around, meeting people, even looking at images and objects we’ve been living with for years. In this series, I’ve been asking artists: In the context of the Covid-19 pandemic, do you look at your personal collection differently now, and which works in particular? Is there one that especially resonates with you in this weird, frightening time? And does it take on new meaning?

Eric Wolf, “Observatory Mountain” (2018), ink on paper, 11×15 inches (image courtesy of Chie Fueki)

Chie Fueki(灯塔,纽约):在三月锁定,我调整了我的工作室日常的地点,距离一个多功能的建筑到我们的公寓,其中一个窗口的沃尔夫支架两侧的两个水墨画。

在左侧的画,“天文台山”,一个荡漾的湖泊重点讲峰会的轮廓,埃里克已经上访问到缅因州反复画。当我们挂这个移动到灯塔喷漆后,我们发现了不可思议的巧合,毕架山峰,从镇可见,共享相同的角度和起伏埃里克的“天文台山”。在它的姊妹作品“雾”的湖泊存在,但山消失了,灰色洗的灰度是向上出血朝原纸交换。空气已经平息,山遮挡,而涟漪向直线压平。

沃尔夫,“雾”(2018),油墨在纸,11×15英寸(千绘笛木的图像提供)

当赛季转移到春天,毕架山峰偶尔会消失背后雾或低云,与Eric的两幅画会轮流引用世界。朋友和家人是从我们太隐晦,自己的等级从远方通信。在人的遭遇几乎成了过饱和状态是真实的。我们按照常规通过我们认为理所当然的东西的价值谦卑,和我们的本地和全球相互依存的事实作出不可否认的平原。这是,是,重新思考的时间。

Eric的孤独时,他画这些作品,他的帐篷和桌子在缅因州保存设置,伸手给我这些时间。他过去的seclusions,在他的画的决定性流动性拍摄,都是同伴和引导。接下来的工作,他的油墨,我画的是演变成两个大纸色带母亲坛— an installation of offerings and works by artists, friends, and the public, contributed during the summer months of the pandemic.

There’s a heavy tactility to Eric’s paintings, an insistent materiality. The ink is so densely saturated, the thick paper bordered with ragged edge. How are they at once so full of air, light, space, and motion? Can we embrace their alchemical optimism, grounded and yet transforming?

卡尔·威瑟姆, “Exit Brand X” (2009), lithograph, 25 x 18 inches (image courtesy of JoAnne Carson)

乔安妮·卡森(肖勒姆,佛蒙特州):已经改变的最根本,我在COVID时代这件作品 - 事实上,它的感觉就像它已经完全改变了它的意义 - 是自2009年该卡尔·威瑟姆版画,题为“退出品牌X”大流行前,我看到一个肌肉发达的男子在超人服穿好衣服,从蓝瓶的漫画有心计耗油的Wirsum的形象。他似乎是在酒吧的人抽到了上豪饮,mansplaining和周围大摇大摆作为一个超级英雄的崇拜者。现在,我看他是唐纳德·特朗普。我不知道为什么我没有看到过这一点。印刷是我们的客厅,当我看PBS新闻时间特朗普是,我立马过来检查“退出十大品牌”和,是啊,这是特朗普。

一旦什么似乎像的图像欺负现在妄想没有什么戳温柔的乐趣有一个更恶性的感觉。它在我们的贪婪的领导人,并通过扩展在我们指出一个手指。他是红色的,但他是喝蓝。他会想尽一切办法存活,像他的独奏探险队找到疫苗来拯救自己。当他出汗,出汗他的指甲。难道说Wirsum的创作毕竟不是冒名顶替者,而是一个真正的大流行时代超人燃料由自恋贪婪和单干的意愿?我希望在选举后我将回到与乐观的欢笑查看此Wirsum。现在,它似乎是一个警世故事。

南西斯佩罗,“纹身”(1996);screenprint,200版;22×30英寸(汤姆麦格林的图像提供)

汤姆·麦格林(泽西市,新泽西州):这是“文身”由南希·斯佩罗。在锁定,我不得不成为工作和与它除了我们收集的环境新鲜贴心的机会。

我的妻子,艺术家Tenesh韦伯,我买了它在1996年以不再视为现存场地上东5日举行一个好处展金博宝188app街称为纽约艺术馆,这是由马丁·孔茨管理。孔茨曾组织利益,募集资金用于萨拉热窝被围困的城市,然后在军事包围。他出版了“纹身”的场合。南希的丈夫莱昂戈卢布也贡献了工作,我相信。我曾见过,成为友好与南希和莱昂年前(1982-83),正在与莱昂的采访,并在其上拉瓜迪亚广场工作室花时间与他们。他们当时也为“艺术家召唤”中,我参加了(艺术家抗议中美洲美国军事干预的聚会)主办的会议在那里。他们对社会问题的共同承诺取得了很大的印象,我作为一个年轻的艺术家和他们在萨拉热窝利益参与,是他们支持的许多社会和政治原因,一个典型的例子。

在“刺青”的意象是南希的更顽皮,拼贴妇女在整个艺术史图像的庆祝活动的特点。它的头晕,解放穰一时之快in relation to the tragic immediacy of the Sarajevo siege has taken on new significanceduring the social emergency and constraints on freedom of movement while locked down in the Covid pandemic. Its animated figures unapologetically suggest: “In the face of all of this, why not dance?”

Eva Zeisel。”伊娃’s Centerpiece” (1999), satin matte glazed porcelain, 11 parts; 7.5 inches, 9.5 inches, and 12 inches high (image courtesy of Susan York)

苏珊·约克(圣达菲,新墨西哥州):我在看伊娃·泽泽尔的11个白色花瓶上我的披风,那些我已经每天都转移附近有一座小三月份以来。我来更多地了解他们在比过去六年,我已经有他们在过去的七个月。我被这些多种形式因为在我先前的生活,作为一个陶工我学到纯形式的美感,工艺的重要性,和重复的力量呆若木鸡。

Like looking at Kazimir Malevich’s “Eight Red Rectangles” (1915), it takes time to see the profoundly subtle geometry of the forms. Initially, I had assumed that Zeisel’s nearly interlocking vases fit symmetrically against each other like puzzle pieces. But when I push two of them against each other and their curves nearly touch, it all changes. When I put the largest form next to its smaller companion, I see that the negative space between the curves is slightly off, like two of Malevich’s rectangles that barely tilt.

Ziesel designed “Eva’s Centerpiece” in 1999 at age 93 with David Klein and James Reid, who cast the porcelain伊娃在他们的工作室,KleinReid在布鲁克林系列。总之,这三个画和切出的花瓶的形式,将彼此交互,那么的Zeisel细化为最终的设计曲线。

这些曲线提醒我,当艾格尼丝·马丁告诉我,茶碗是所有的最抽象的形式。当时,我正在几百个茶碗,每个人是自己的世界,因为是每条曲线,每个开放,并在之间的空间“伊娃的核心。”

Danny Ferrell, “After the Game” (2016), oil on canvas over panel, 14 x 11 inches. (image courtesy of Danny Ferrell)

马克·爱泼斯坦约书亚(Ann Arbor, Michigan): Danny Ferrell’s painting “After the Game” was the first piece I bought after moving into our place in Michigan, in the fall of 2017. The apartment was new to us and I was wildly homesick for people, for art, for everything. I had never met Danny but had followed his work closely and I found the combination of the forlorn and the erotic in this piece to be irresistible. This painting is so many feelings wrapped up in one lusciously painted pair of gym shorts, left — or flung, or dropped — either on purpose or by accident in a field at sunset. Where is the owner of these rumpled mesh shorts? Are they with someone else who is also shorts-less, rolling around in the grass? Being a rapturously unsporty kid, it felt good to own this image, and to hang it in the bedroom I share with my husband.

我看到丹尼的画时,我每天早晨醒来。它直接挂在我的视线里,当我睁开双眼,但也许现在感觉不同。现在,短裤已经成为一个独立的我,或我们 - 独自丢弃,暴露 - 但它仍然是这样一个美丽的景象。如果我要被丢弃,让它成为这幅画的美丽的绿色空间。去年光褪色,时间抓了一会儿,永远滑移 - 我更现在比我以前看到的天空。

Jack Pierson, “Magnolias” (1994), C-print, 30 x 40 inches (image courtesy of David Kramer)

大卫·克莱默(纽约市):1994年我找到了一份工作画杰克·皮尔森的公寓南边休斯顿街。过了一个星期,在我对他的工作结束时,我愿意拿一件艺术品,而不是现金。杰克同意和下周我在他的工作室见到他。

杰克的工作室是在42角落ND街和8大街。他是每斤角港务局,楼上的过程中,当时代广场还是一个相当粗糙附近,工作区是廉价的日子。总之,我经历了一堆大照片一看,只见一个真正跳出了我。它是在太阳打出直线上升,通过一些郁郁葱葱的绿色木兰叶看。这是美丽的,给了我想要的感觉,欲望。你看不到太阳,但你可以感受到温暖。一个温暖的夏天的一天......我把“木兰”回家,把它框住,因为它一直在我的厨房桌子上方的墙壁不断。

我的厨房餐桌已基本自3月份以来我的工作室。每天早上我起床吃早饭。然后,我收走了,开始我一天的项目。大多数情况下,我一直在钩地毯。我决定从我的日落iPhone拍摄的图像。在户外活动的落日似乎是把你的生命在你手中,观察东西一样简单。所以我想,而不是让我自己日落,并包括像“这都不是真”或“几乎每一天”或短语“IT IS它是什么。”一个地毯导致了另一个,很快我有一个系列,我决定把它MAR-A-Lago的日落.

虽然我曾在锁定的几个月,我把墙上我的喷墨打印,一切围绕杰克·皮尔森照片。这是因为如果太阳,你不能在他的照片看已经变得更加不可能见过一次。在某些方面,它好像我们俩都试图得到的东西,是不可用的。

Later, in June, when my neighborhood in Chelsea was covered in a skin of plywood, as the city braced for the George Floyd/BLM protests, I thought about New York City from my past. It looked again like it did when I was a kid, back in the 1970s, ‘80s, and into the ‘90s, with plywood-covered storefronts and furtive people walking around, crossing streets to stay away from strangers. Now that getting around town safely, which is ordinarily never a question, has become a priority, I am reminded of that trip to Times Square in 1994, to Jack Pierson’s studio, coming down the stairs with my prize, thinking, “…How am I going to make it back to Chelsea with this thing under my arm?”

Eugène Delacroix, “The Death of Sardanapalus” (1827), oil on canvas, 392 x 496 cm, Musée du Louvre, Paris (image via Web Gallery of Art)

詹姆斯·海德(纽约布鲁克林):当我年轻的时候,我并没有想要拥有艺术收藏品 - 从没有手段来获得一个甚至分开。我认为爱一个工作比拥有更充实,所以我安装我的“没有围墙的博物馆”。我已经发展到拥有升值工程实际,但这个集合了我的想象遗体。

起初,我不喜欢德拉克洛瓦的“萨达纳帕拉斯之死”(1827)。它要求在卢浮宫的指挥大小不同的视角,我才鼓起的感情,让这幅画单独的热情。是什么使我周围是德拉克洛瓦的油漆:他的黑暗,宝石般的釉料,他的亮点和色彩的惊喜。涂料的意象强壮有力组成的漩涡液体和烟雾之间波动。这幅画是在红色的关键 - 国王萨达纳帕拉斯的巨大和大肆泻血床的床罩的颜色;它suffuses与红酒的味道画。它的绘画品质奇怪的是,无论是华丽和放荡。该组合物是精力充沛,但几乎没有凝聚力 - 所有的混乱和碎片,它的内容似乎要溢出画布的底部。许多数字纠结和裁剪,并且照明是不均匀的和几乎没有连贯。持有什么影像一起是德拉克洛瓦的线,连接的演员和行动,其闪闪发光的颜色,让图片的致幻的音乐。

在精神和主题的绘画渠道的portrays混乱。亚述王,萨达纳帕拉斯,与叛乱准备抓住他,他负责的妻子,仆人和奴隶的杀戮;放大的恐惧,一个珠光宝气和怒目而视马左下方的画布刺穿。栖息在上面一被害女子在床上,国王,争取在他的自恋,调查严峻的满意度的大屠杀。这个故事是可耻和愤怒递交它与它的力量和浪费,奢华和暴力的药水心灵。

德拉克洛瓦衍生的故事从拜伦一出戏,虽然它惊人的他从拜伦的叙事多远偏离。而不是一种无法形容可恶的君主,拜伦的萨达纳帕拉斯不是绝情。由他的妾的爱战胜,他是盲目的对他的反叛。即使国王掌握的情况,他动摇,因为他不喜欢流血。由当时的冲突升级,他的抖动已经花费了他的战斗。而不是投降,萨达纳帕拉斯建立一个柴堆和他的情人心甘情愿地跟着他自焚。

解释什么区别?在巴黎,发烧的梦想在空中 - 柏辽兹的交响乐Fantastique(1830)首播后三年德拉克洛瓦提出了他的画。萨达纳帕拉斯的可以想象德拉克洛瓦的修订是出于政治动机。1815年,法国已经回到了君主制。1824年,德拉克洛瓦在三年前公布了他萨达纳帕拉斯,查理十世即位,对提高他的权力设置。无论德拉克洛瓦的照片是对权力的滥用当代,它的财富,冷漠的肖像,并残忍将其标记为审议作为本一幅画。

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